Die Entwicklung der britischen elektronischen Musik

1987–1991

Acid House wird zur Bewegung, dann lässt Bleep den Bass britisch klingen.

Acid House begann in Chicago, wo Produzenten den Bass-Synthesizer Roland TB-303 für die quietschenden Muster nutzten, die den Stil prägten. Der Sound wird meist DJ Pierre und Phuture zugeschrieben, deren „Acid Tracks“, 1987 auf Trax Records erschienen, die Platte ist, auf die sich das ganze Genre datiert. Der britische Beitrag war nicht die Erfindung des Acid House, sondern das Tempo und der Umfang, mit denen er zum Mittelpunkt einer neuen Jugendkultur wurde. Der Acid-House-Guide erzählt die Chicagoer Geschichte und den Streit um den Namen ausführlich.

1987 und 1988 brachten Clubs wie Shoom in London und The Haçienda in Manchester importierte House-Platten, Tanzen die ganze Nacht und ein Publikum zusammen, das in keine traditionelle Club-Schublade passte. Die Räume hatten Namen, die an Personen hingen: Shoom gehörte Danny Rampling, Future Paul Oakenfold, Spectrum Oakenfold mit Ian St Paul, Trip Nicky Holloway, und die Tanzfläche der Haçienda gehörte Mike Pickering und Graeme Park. Fünf DJs sagten, sie hätten diese Nächte nach einem Urlaub auf Ibiza 1987 mit ihrem Freund Johnny Walker begonnen, eine Ursprungsgeschichte, die klein genug ist, um sie genau so zu erzählen. Der Sommer 1988 ging als Second Summer of Love in die Geschichte ein. Als die Nachfrage die lizenzierten Locations überstieg, zogen die Partys in Lagerhallen und auf Felder, verbunden über Telefonketten, Flyer und Treffpunkte an der Autobahn.

Acid House veränderte, wie elektronische Musik in Großbritannien funktionierte. Der DJ rückte in den Mittelpunkt der Nacht, das durchgehende Mixen wurde wichtiger als einzelne Songs, und Raves schufen Gemeinschaften jenseits der herkömmlichen Clubs. Die Musik blieb in Chicago verwurzelt. Was Großbritannien hinzufügte, war ein schnell wachsendes Netz aus Tänzern, Veranstaltern, DJs und illegalen Partys, aus dem neue lokale Sounds entstehen konnten.

Während sich Acid House über Clubs und Raves verbreitete, begannen Produzenten rund um Bradford, Sheffield und Leeds, eine kältere, weiträumigere Form von Tanzmusik zu machen. Bleep verband reduzierte Techno-Rhythmen mit kurzen elektronischen Tönen und einem Subbass, der von Reggae-Soundsystems geprägt war. Er klang futuristisch, aber sein tiefes Ende war unverkennbar mit der britischen Bass-Kultur verbunden.

Die Bradforder Gruppe Unique 3 lieferte den Bauplan des Bleep mit einer Weißlabel-Veröffentlichung von 1988 mit „The Theme“, bevor 1989 eine überarbeitete Version erschien. Warp Records wurde danach das bekannteste Label der Szene. Forgemasters’ „Track With No Name“, LFOs selbstbetiteltes „LFO“ und frühe Arbeiten von Nightmares on Wax halfen, eine Musik zu etablieren, die minimal genug war, um den Lautsprechern Platz zu lassen. Auch die Beziehung zwischen Bradford, Sheffield und Leeds zählt: Das war ein regionales Netz, nicht das Produkt einer einzigen Stadt oder eines einzigen Clubs.

Bleep zeigt, wie schnell britische Produzenten importierten Techno veränderten. Ihre Produzenten gaben Subbass, Leerraum und der körperlichen Wirkung einer großen Soundanlage ein ungewöhnliches Gewicht. Jungle, UK Garage und Dubstep sollten diese Eigenschaften später mit völlig anderen Rhythmen nutzen.

1990–1998

Breakbeat Hardcore mutiert zu Jungle und Drum and Bass.

Zu Beginn der 1990er begann der Puls der britischen Rave-Musik zu zerfasern. Britischer Hip-Hop der späten 1980er, belgischer Techno, New Beat und Hip House hatten bereits gezeigt, wie gesampelte Breaks, schwerer Bass und härtere elektronische Sounds nebeneinander bestehen konnten. Britische Rave-Produzenten zogen diese Ideen in ein Fundament aus House und Techno und schraubten dann das Tempo nach oben. Euphorische Klavierakkorde, Rave-Stabs, Sirenen und hochgepitchte Stimmen ließen Breakbeat Hardcore zugleich freudig und instabil klingen.

Acts wie The Prodigy, SL2, Altern-8 und Shut Up and Dance rückten verschiedene Seiten des Sounds in den Fokus. Manche Platten neigten zu Pop-Hooks, andere zu dunkleren Basslines und dichterem Breakbeat-Schnitt. Die Szene bewegte sich durch legale Clubs, riesige Open-Air-Events und illegale Partys, getragen von Tape Packs, Flyern und Sendern, die Hörer erreichten, die das lizenzierte Radio ignorierte.

Breakbeat Hardcore mutierte weiter. Ende 1992 waren seine Zweige leichter zu hören. Als die Tempi stiegen und Produzenten mehr Gewicht auf zerhackte Breaks, Reggae-Bass und dunklere Atmosphären legten, bewegte sich ein Teil der Szene in Richtung Jungle. Andere Produzenten behielten die Four-to-the-Floor-Kick und die euphorischen Stimmen und halfen, Happy Hardcore zu formen. Die Trennung verlief allmählich, und Übergangsplatten gehörten oft zu beiden Welten.

Einen genaueren Blick auf die gesampelten Breaks und die späteren Stile, die aus dieser Zeit wuchsen, bietet der Guide zur Breakbeat-Musik.

Jungle entwickelte sich innerhalb der Rave-Szene der frühen 1990er, als Produzenten die Breakbeats verschärften und Reggae-, Dub- und Dancehall-Einflüsse näher ins Zentrum der Musik holten. Gesampelte Breaks wurden zu neuen rhythmischen Mustern zerhackt, während tiefe Basslines und Soundsystem-Techniken den Platten ihre körperliche Wucht gaben. MCs und Vocal-Samples verbanden die Musik mit jamaikanischen Traditionen ebenso wie mit dem zeitgenössischen Schwarzen britischen Leben.

Eine unbestrittene erste Jungle-Platte gibt es nicht, und der Begriff selbst trägt eine komplizierte Geschichte. Klar ist, dass 1993 und 1994 ein eigenes Netz aus Produzenten, Labels, DJs und Piratensendern bestand. Reinforced, Moving Shadow und Suburban Base veröffentlichten grundlegende Musik. Kool FM gab der Szene eine ununterbrochene Präsenz im Äther. Künstler wie 4hero, Shy FX, Remarc, Congo Natty und LTJ Bukem zeigten, wie breit Jungle sein konnte, vom rohen Druck der Tanzfläche bis zum atmosphärischen Experiment.

Jungle ordnete das Verhältnis von Drums und Bass neu und machte den Einfluss der Schwarzen britischen Kultur zu etwas, das sich nicht mehr als Hintergrunddetail behandeln ließ. Sein Erfolg schuf außerdem die Bedingungen, unter denen der Begriff Drum and Bass immer präsenter wurde.

Den Amen Break, Dubplates, Piratenradio, Begriffe und spätere Subgenres behandelt die vollständige Geschichte der Jungle-Musik genauer.

Jungle wurde 1994 nicht einfach in Drum and Bass umbenannt. Die Begriffe überschnitten sich, und Menschen in der Szene streiten bis heute darüber, wo der eine endet und der andere beginnt. In der Mitte des Jahrzehnts wurde Drum and Bass jedoch zum gebräuchlicheren Namen für eine wachsende Bandbreite an Produktionsstilen.

Metalheadz, gegründet von Goldie mit Kemistry und Storm, wurde Mitte der 1990er zu einer der prägenden Institutionen der Szene. Die wöchentlichen Sunday Sessions im Londoner Blue Note verbanden technische Innovation mit einer starken Club-Gemeinschaft. Goldies „Timeless“ zeigte, dass Breakbeat-Musik lange Arrangements und orchestrale Ambition tragen kann, während Roni Size und Reprazent dem Sound eine Live-Band-Identität gaben. Fabio und Grooverider blieben als DJs zentral, die frühere Rave- und Jungle-Platten mit dem entstehenden Vokabular des Drum and Bass verbanden.

Drum and Bass als sauberere oder anspruchsvollere Version von Jungle zu beschreiben, übersieht die Vielfalt auf beiden Seiten. Raue, atmosphärische, jazzige und hochtechnische Platten gab es diesseits wie jenseits der Begriffsgrenze. Ende der 1990er konnte der weitere Name Drum and Bass mehrere Ästhetiken gleichzeitig fassen.

Mehr zu Tempo, Subgenres und den Platten hinter diesem späteren Sammelbegriff steht im eigenen Guide zu Drum and Bass.

1993–2001

UK Garage lernt zu swingen, zu springen und sich zu teilen.

UK Garage wuchs aus dem amerikanischen Garage House, veränderte sich aber ab etwa 1993 und 1994 in britischen Clubs. Importierte Platten wurden oft schneller gespielt, auch bei Sonntagspartys und in den Nebenräumen von Jungle-Events. Britische Produzenten fügten schwereren Bass, zerschnittene Stimmen und lokale rhythmische Ideen hinzu. 1996 und 1997 hatte Speed Garage eine erkennbare Kombination aus Four-to-the-Floor-Kicks, verzerrten Basslines und von Ragga geprägten Vocal-Samples entwickelt.

2-Step nahm die Kicks von den erwarteten Stellen und schuf den springenden Rhythmus, der am engsten mit UK Garage verbunden ist. Todd Edwards, ein amerikanischer Produzent, dessen zerschnittene Stimmen britische Künstler stark beeinflussten, war eine wichtige Quelle. DJs und Produzenten wie DJ EZ, Tuff Jam, Wookie und MJ Cole machten aus diesen Ideen eine lokale Szene, getragen von Piratenradio, spezialisierten Clubs und Labels wie Public Demand und Locked On.

Gegen Ende des Jahrzehnts war Garage in die britischen Charts gelangt. Sein Erfolg brachte glänzende Gesangsplatten hervor, während sich darunter dunklere Instrumentals und immer präsentere MCs weiterentwickelten. Diese Stränge halfen, Grime und Dubstep entstehen zu lassen. Sie tauchten nicht über Nacht auf, und keiner von beiden war einfach umbenannter Garage.

Die 1990er

Bristol, Big Beat, Warp und Birmingham Techno erzählen andere Geschichten.

Die Rave- und Bass-Linie war nur ein Teil der britischen elektronischen Musik der 1990er. In Bristol verbanden Massive Attack, Portishead und Tricky Hip-Hop-Produktion, Dub-Raum, Soul und Post-Punk-Atmosphäre. Der Begriff „Trip-Hop“ tauchte 1994 in einem Mixmag-Artikel über DJ Shadow auf und wurde dann breiter auf den Bristol-Sound angewendet. Die drei Künstler, die am engsten mit dem Etikett verbunden werden, lehnten es ab, aber die Musik wurde trotzdem weltweit einflussreich.

Big Beat nahm einen anderen Weg in den Mainstream, getragen von Künstlern wie The Chemical Brothers, Fatboy Slim, Propellerheads und Bentley Rhythm Ace. Schwere Breakbeats, Hip-Hop-Samples, Acid-Lines und eine Produktion in Rock-Größe halfen dieser Musik, Publikum jenseits der Spezialclubs zu erreichen. Rund um Warp Records machten Aphex Twin, Autechre, Boards of Canada und Squarepusher elektronische Musik, die aus Techno, Ambient und Breakbeat-Experimenten schöpfte. Warps Compilation Artificial Intelligence erschien 1992, während die IDM-Mailingliste 1993 den umstrittenen Begriff etablierte. Dieses Etikett kann die Verbindungen der Künstler zur Rave-Kultur ebenso verbergen, wie es sie erklärt.

Auch Birmingham entwickelte in den 1990ern eine strenge, hypnotische Techno-Identität, durch Surgeon, Regis und das Label Downwards. Diese Szenen bildeten keine direkte Abfolge, aber zusammen zeigen sie, warum sich britische elektronische Musik nicht nur über London oder eine einzige Familie von Bass-Genres erklären lässt.

2000–2009

Dunkler Garage verzweigt sich in Dubstep und Grime, während Bassline und UK Funky woandershin ziehen.

Bevor Dubstep einen festen Namen hatte, reduzierten Produzenten UK Garage bereits. Dunklere 2-Step-Platten nutzten weniger Gesang, mehr Raum und tieferen Subbass. Rund um Croydon wurde Big Apple Records zu einem Treffpunkt für Produzenten und DJs wie Hatcha, Artwork, Skream und Benga. Horsepower Productions verband Garage-Rhythmen mit Dub-Techniken, während frühe Clubnächte der Musik Raum gaben, sich außerhalb der Erwartungen des Mainstream-Garage zu entwickeln.

Der Begriff Dubstep setzte sich in den frühen 2000ern durch und gewann nach einer XLR8R-Titelgeschichte 2002 an Sichtbarkeit. FWD>>, 2001 gegründet, gab dem entstehenden Sound ein festes Londoner Zuhause. Die Nacht DMZ folgte 2005 in Brixton. Tempa, Hyperdub und DMZ dokumentierten verschiedene Seiten der Musik: Digital Mystikz betonten Dub-Gewicht und meditative Wiederholung, während Skream und Benga ihre eigenen Kombinationen aus Melodie, Druck und rhythmischer Bewegung einbrachten.

Dubstep und Grime teilten Garage- und Jungle-Wurzeln, die Infrastruktur des Piratenradios und einige Produzenten, entwickelten sich aber parallel. Dubstep war meist instrumental und auf Raum und Subbass konzentriert, während Grime mehr Gewicht auf MCs und kantige elektronische Rhythmen legte. Die Grenze war nie absolut.

Grime entstand, als junge Produzenten und MCs sich vom glatteren Ende des UK Garage absetzten. Seine Instrumentals lagen oft um 140 BPM, mit sparsamen Drums, schroffen Synthesizer-Sounds und genug offenem Raum für konkurrierende Stimmen. Die Musik schöpfte aus Garage, Jungle-MC-Kultur, Dancehall und Hip-Hop, aber Sprache und Produktion spiegelten das London der frühen 2000er. Der Grime-Guide behandelt die Produzenten, die Clashes und den Streit um den Namen ausführlich.

Piratensender wie Rinse FM und Deja Vu gaben Crews einen Ort, um unfertige Tracks zu testen, sich zu messen und lokales Publikum aufzubauen. Software wie FruityLoops half jungen Produzenten, in Kinderzimmern und an gemeinsam genutzten Computern zu arbeiten. Wileys Eski-Sound, Musical Mobs „Pulse X“, Ruff Sqwads melodische Instrumentals und die frühe Arbeit von Dizzee Rascal zeigten, dass Grime nie eine einzige Formel war.

Der Name brauchte Zeit, um sich zu festigen, und viele Beteiligte hielten sich zunächst für Macher einer neuen Form von Garage. MCs rückten allmählich von der Unterstützung der DJs zu den zentralen Künstlern auf. DVDs, Channel U, Mixtapes und Piratensendungen schufen einen weitgehend unabhängigen Weg von den Szenen der Nachbarschaft zu einem nationalen Publikum.

Bassline entwickelte sich ab den späten 1990ern in Sheffields Garage-Szene und in Clubs wie Niche, bevor es in den frühen 2000ern breiter wahrgenommen wurde. Es behielt den Swing des UK Garage, legte aber mehr Gewicht auf Bass-Hooks, direkte Drops und Schwung auf der Tanzfläche. Der Sound verbreitete sich später über seine regionale Basis hinaus durch Piratenradio, Plattenumlauf und Chartplatten wie T2s „Heartbroken“.

UK Funky entstand Mitte der 2000er und war um 2007 klar etabliert. Es verband House-Tempo mit synkopierter Percussion, Soca, Grime, Broken Beat und Musik aus Clubszenen der afrikanischen Diaspora. Produzenten und DJs wie Roska, Cooly G, Geeneus, Apple und Marcus Nasty bauten eine rhythmische Sprache auf, die anders klang als der Mainstream-House und als die dunklere Richtung, die Dubstep einschlug. Bassline und UK Funky waren getrennte Szenen, aber beide zeigten, dass UK Garage mehr Zukünfte hervorgebracht hatte als nur Grime und Dubstep.

2010–2016

Nach dem Dubstep werden die nützlichen Etiketten weiter und ungenauer.

Bis 2010 hatte sich Dubstep in mehrere Richtungen aufgefächert, und kein einzelnes Genre ersetzte ihn. Produzenten wie James Blake, Mount Kimbie, Joy Orbison, Pearson Sound, Ikonika, Girl Unit und Jam City verbanden Garage-Swing, Dubstep-Raum, House, Techno, Grime und R&B in unterschiedlichen Anteilen. Labels wie Hessle Audio, Hyperdub, Night Slugs, Numbers und Hotflush gaben dieser Musik überlappende Publika, ohne sie zu einer einzigen geschlossenen Szene zu machen.

Burials Debüt von 2006 und sein Album Untrue von 2007 wurden zu wichtigen Bezugspunkten für die atmosphärische, emotional aufgeladene Musik, die später unter „Future Garage“ zusammengefasst wurde. Das Etikett hilft bei der Entdeckung, kann aber wichtige Unterschiede zwischen Burial, späteren Bedroom-Produzenten und der weiteren Post-Dubstep-Phase einebnen.

Journalisten griffen oft zu „Post-Dubstep“ oder „UK Bass“, um die Zeit zu beschreiben. Beide Begriffe taugen als Dach, aber keiner benennt einen genauen Sound. Auch UK Funky zersplitterte zu diesem Zeitpunkt, doch seine Percussion und sein Umgang mit Rhythmus lebten in Musik weiter, die unter anderen Namen vermarktet wurde. Hybride Clubplatten konnten innerhalb eines einzigen Tracks zwischen mehreren britischen Linien wechseln.

In London gab die Nacht Boxed dem instrumentalen Grime ein festes physisches Zuhause. Produzenten wie Logos, Mr Mitch, Slackk, Visionist, Mumdance, JT The Goon und Murlo behandelten Grimes Eski-Melodien, Rechteckwellen und leeren Raum als Material für Clubmusik ohne festen MC. Es war eine Erneuerung der Produktionssprache des Grime, kein sauberer Bruch mit dem Genre.

Bristol entwickelte ein weiteres Netz rund um Livity Sound, Peverelist, Kowton und Asusu, später folgten Künstler und Labels wie Batu und Timedance. Gebrochene Rhythmen, Techno-Druck und die Tiefen-Disziplin des Dubstep trafen aufeinander, ohne sich auf einen einzigen Genre-Namen zu einigen. Zur selben Zeit baute PC Music, 2013 von A. G. Cook gegründet, Eurodance, Trance, Happy Hardcore und digitalen Pop mit bewusst synthetischer Produktion neu auf. Danny L Harle und Hannah Diamond waren zentral für das Label, während SOPHIE eine enge Weggefährtin war, deren Arbeit weit darüber hinausreichte. Keiner von ihnen passt zu der Vorstellung, dass britische elektronische Musik in einer ordentlichen Abfolge von Genres verläuft.

2017–heute

UK Garage, Jungle und 140 kehren zurück, ohne zu Museumsstücken zu werden.

Ende der 2010er kehrte eine jüngere Gruppe von Produzenten zu den rhythmischen Details des UK Garage zurück, ohne ihn als Museumsstück zu behandeln. Conductas Kiwi Rekords wurde ein sichtbares Zentrum, während Produzenten wie Mind Of A Dragon und Sharda zwischen 2-Step, Speed Garage, Bassline und Breaks wechselten. Die Platten nutzten den erkennbaren Garage-Swing, liefen aber über zeitgemäße Plattformen, Festivals und internationale DJ-Netzwerke. Sammy Virji, Interplanetary Criminal, Soul Mass Transit System und Main Phase wurden in den Jahren danach sichtbarer.

Jungle sammelte ebenfalls neue Energie, unterhalb der Schwelle eines Mainstream-Revivals. Tim Reaper, Sully und Coco Bryce schöpften aus früher Breakbeat-Wissenschaft, atmosphärischem Jungle und Hardcore und erweiterten diese Methoden mit moderner Produktion. Zugleich nahmen britische Sets Ideen aus Footwork, Ballroom, Jersey Club, Gqom und anderen Szenen auf. Produzenten verbanden ältere britische Rhythmen mit Musik, die über internationale Clubnetzwerke zirkulierte.

Als die Clubs während der Pandemie schlossen, verlagerte sich die Entdeckung weiter zu Bandcamp, SoundCloud, Livestreams, Radioarchiven, Kurzvideos und Online-Communities. Dieser Wandel half älteren britischen Sounds, Hörer zu erreichen, die ihre ursprünglichen Szenen nicht erlebt hatten. Jungle gewann eine sehr sichtbare neue Generation durch Künstlerinnen und DJs wie SHERELLE, Nia Archives, Tim Reaper und das Future-Retro-Netzwerk, während sich Garage zwischen Underground-Veröffentlichungen und immer größeren Festivalpublika bewegte.

Die größere Aufmerksamkeit löschte die Szenen nicht aus, die die Musik am Leben gehalten hatten. Sie baute auf jahrzehntelanger Arbeit spezialisierter Labels, Plattenläden, Radiosender und Veranstalter auf. 2022 erreichte das UK-Garage-Stück von Eliza Rose und Interplanetary Criminal, „B.O.T.A. (Baddest of Them All)“, Platz eins in Großbritannien. Das bewies nicht, dass jede Form von Garage im Mainstream angekommen war, aber es war ein klares Zeichen, dass der Sound ein weiteres Massenpublikum gefunden hatte.

In den Jahren 2023 und 2024 wurden UK Garage und Speed Garage in Clubs und Festival-Line-ups immer sichtbarer. Sammy Virji, Interplanetary Criminal, Oppidan, MPH, Silva Bumpa, Main Phase und Bakey standen für verschiedene Teile eines breiten Feldes, nicht für ein einheitliches Revival. Manche Platten neigten zu Vocal Garage, andere zu Bassline, Breaks oder härterem Speed Garage. Jungle wuchs weiter durch Nia Archives, SHERELLE, Tim Reaper, Sully und Produzenten, die weit außerhalb Großbritanniens arbeiteten.

Der Begriff „140“ wurde nützlich für einen gemeinsamen Tempobereich, in dem Dubstep, Grime-Instrumentals, dunkler Garage, Breaks und bassstarker Techno zusammenkommen können. Er sollte nicht mit einem einzelnen neuen Genre verwechselt werden. In der Praxis verbanden DJs Geschichten, die sich immer schon überschnitten hatten, während das Publikum weniger daran interessiert war, die alten Grenzen zu verteidigen.

2026 war das erneuerte Interesse an UK Garage, Jungle, Drum and Bass und Speed Garage in Hördaten, Uploads und Veranstaltungslisten sichtbar. Der Fourth UK Electronic Music Industry Report schätzte, dass die messbare britische Aktivität in der elektronischen Musik 2025 2,47 Milliarden Pfund beisteuerte. Außerdem fand er, dass die Listings auf Resident Advisor von 29.499 Events 2024 auf 32.601 in 2025 wuchsen, 51 Prozent davon außerhalb Londons. Garage, Jungle und Hardcore steigerten seit 2022 alle ihren Anteil an den gelisteten Events.

Die Erholung war ungleichmäßig. Derselbe Bericht zählte 823 britische Clubs, 36 Prozent weniger als im März 2020, auch wenn Freepartys, Tagesveranstaltungen und alternative Locations wichtiger wurden. Das Wachstum im Norden Englands und die weltweite Verbreitung britischer Künstler deuteten darauf hin, dass sich die Kultur ausbreitete, während einige ihrer traditionellen Räume verschwanden. Auch Beatportals Rückblick auf 2025 nannte UK Garage, Bassline und Speed Garage als großen internationalen Clubtrend. 2026 waren britische Rave-Formen wieder eine gemeinsame Sprache für Produzenten und DJs weit über Großbritannien hinaus.