Was ist Drum and Bass?

1994 bis 1995

Als sich Jungle und Drum and Bass trennten.

Die beiden DJs, die das Genre am längsten trugen, taten schon das, wonach es benannt ist, bevor es diesen Namen hatte. Fabio und Grooverider hielten die Rage-Nächte im Heaven, nahe Charing Cross, wo es üblich war, Hardcore-Platten so schnell zu spielen, wie ein Paar Technics es hergab, und sie am Plattenspieler hochzupitchen, bis der Break zu etwas anderem wurde. Von dort kam das Tempo, und es erklärt mit, warum zwei DJs und nicht zwei Produzenten die landesweite Radio-1-Sendung für Drum and Bass von 1998 bis 2012 moderierten.

Ein sauberes Datum für die Trennung gibt es nicht, und jede Darstellung, die eines nennt, räumt auf. In den Jahren 1994 und 1995 vollzog sich der Wandel allmählich und ungleichmäßig, und er betraf den Namen ebenso sehr wie die Musik.

1994 hatte Jungle die britischen Charts und das Tagesradio erreicht, und die Version, die dort ankam, war Ragga Jungle: jamaikanische Vocal-Samples, Reggae-Basslines, MC-Energie. Manche Produzenten wollten ihre Platten nicht darunter abgelegt sehen, teils wegen des Sounds und teils, weil das Wort Jungle inzwischen Assoziationen trug, über Klasse, über Herkunft, über Gewalt auf bestimmten Raves, die mit dem, was sie machten, wenig zu tun hatten. Der Begriff Drum and Bass bot ihnen einen Ausweg. Goldie gründete Metalheadz 1994 mit Kemistry und Storm, und das Label beschrieb sein Ziel so, Breakbeat und Jungle "into a new dimension, drum 'n' bass" zu überführen. Sein Album Timeless, im August 1995 erschienen, machte diesen Anspruch für Menschen lesbar, die nie auf einem Rave gewesen waren.

Goldie kam nicht aus dem Nichts, und die Umbenennung auch nicht. Das Label, durch das der größte Teil dieser Generation ging, war Reinforced Records, 1989 in Dollis Hill von Marc Mac und Gus Lawrence gegründet, später kamen Dego McFarlane und Ian Bardouille dazu. Marc Mac und Dego sind 4hero, und ihr "Mr Kirk's Nightmare" verkaufte mehr als 24.000 Exemplare und bezahlte das Label. Goldie zeichnete die Artworks von Reinforced, bevor er dort Platten machte, erschienen als Rufige Kru, und leitete am Ende dessen A&R. Wenn jemand die Produzenten aufzählt, die Drum and Bass geprägt haben, ist 4hero meist der erste Name, und der Grund ist eher die Adresse als eine einzelne Platte: Zwischen 1991 und 1994 wurde das dunklere, schnellere Ende des Hardcore nach Dollis Hill geschickt. Ihr eigenes Parallel Universe von 1994 gilt als erstes Drum-and-Bass-Album, und Two Pages kam 1998 auf die Shortlist des Mercury Prize und gewann einen MOBO.

Der Streit darüber, was bei dieser Umbenennung gewonnen und verloren wurde, wer zurückgelassen wurde und was General Levy gesagt oder nicht gesagt hat, ist die eigene Geschichte der Jungle-Szene, und der Guide zu Jungle erzählt sie als Epilog, auf Englisch. Für Drum and Bass ist er der Ausgangspunkt, aber kein sauberes Ende für Jungle. Alles nach diesem Abschnitt folgt den Richtungen, die zunehmend unter dem neueren Namen reisten.

Wie Drum and Bass gebaut ist: 174 BPM, der Break und das Fundament.

Das Tempo von Drum and Bass liegt bei 174 BPM, ein paar mehr oder weniger, und fast alles andere an dem Genre folgt aus dieser Zahl.

Das Tempo ist die erste Tatsache. Drum and Bass liegt zwischen 160 und 180 Schlägen pro Minute und hat sich seit etwa 1996 auf 174 als De-facto-Standard eingependelt. Das ist schnell, und deshalb zählen die Drums so sehr: Bei diesem Tempo kann sich ein Produzent nicht auf eine durchgehende Bassdrum stützen, also trägt ein Breakbeat den Rhythmus, eine gesampelte und neu angeordnete Drum-Passage von einer Funk- oder Soulplatte. Der Break, der am stärksten mit dem Genre verbunden ist, ist der Amen, sechs Sekunden Schlagzeug von einer B-Seite aus dem Jahr 1969, zeitlich gestreckt und in neue Muster zerschnitten. Diese Technik und die Geschichte des Urheberrechts rund um den Break sind das Thema des Guides zu Breakbeat; wie Jungle-Produzenten ihn zuerst in hohem Tempo zur Waffe machten, behandelt der Guide zu Jungle, beide auf Englisch.

Zwei Drum-Gefühle dominieren. Der Two-Step ist sparsam, eine Kick und eine Snare mit Luft dazwischen, so angelegt, dass der Track gleitet statt zu stolpern; Alex Reeces "Pulp Fiction" von 1995 ist die Platte, auf die man meist als Vorlage zeigt. Der rollende Break ist dichter, mehr vom ursprünglichen Break bleibt erhalten und drängt unter dem Bass nach vorn, und ein schweres Beispiel aus demselben Jahr ist Dillinjas "The Angels Fell". Unter beiden Gefühlen liegt der Bass, und Drum and Bass behandelt den Bass als Leitinstrument statt als Begleitung. Oft ist er ein anhaltender Sub, auf einem kleinen Lautsprecher eher zu spüren als zu hören. Oft ist er ein Reese, ein verstimmtes, sich bewegendes Grollen, benannt nach einer Bassline von Kevin Saunderson aus den späten 1980er-Jahren, die spätere Produzenten zum bekanntesten Klang des Genres formten.

Das ist auch der klarste Weg, Drum and Bass neben Dubstep einzuordnen. Beide sind britische Musik, die vom Bass angeführt wird, aber Drum and Bass läuft im vollen Tempo mit einem vollen Break, während Dubstep bei etwa 140 liegt, mit Kick und Snare so weit auseinander, dass sich der Track halb so schnell anfühlt. Dieselbe Linie, entgegengesetzte Lösungen für dieselbe Frage nach Gewicht und Raum. Der Guide zu Dubstep behandelt die andere Seite dieser Trennung.

Metalheadz und die dunkle Wende.

1995 hatte Drum and Bass ein Zuhause für sein fortschrittlichstes Material: die Sunday Session von Metalheadz im Blue Note am Hoxton Square, ein kleiner Raum, in dem die Künstler des Labels Platten auf einer Anlage vor einem Publikum testeten, das nicht höflich applaudierte. Timeless hatte dem Genre ein Profil in den großen Zeitungen verschafft. Was danach in den Clubs geschah, ging in die andere Richtung.

Die Sunday Sessions liefen rund drei Jahre, bis der Blue Note 1998 schloss, und sie funktionierten wie die Ökonomie aus Piratensendern und Dubplates im Jungle: Ein Produzent schnitt einen neuen Track auf Acetat, spielte ihn einmal in diesen Raum und sah, was er bewirkte. Knappheit war eine physische Eigenschaft des Vinyls, dieselbe Praxis, nur in ein Genre mit A&R und Presse verlegt. Die Leute, die die Dubplate-Kultur vom Jungle hierher trugen, gehören zum Gebiet des Guides zu Jungle.

Die härtere Richtung wird meist auf No U-Turn zurückgeführt, das Studio und Label von Nico Sykes im Norden Londons, und auf eine Gruppe von Produzenten darum herum: Ed Rush, Trace, Nico, Fierce. Ihre Platten ersetzten den Jazz und die Atmosphäre durch Verzerrung, Kompression und einen Rhythmus wie aus der Maschinenhalle, und die Compilation Torque sammelte 1997 die Ergebnisse. Der Name, der daran hängen blieb, Techstep, wird meist diesem Kreis zugeschrieben und verbreitete sich über Grooveriders Radio-1-Sets; wer ihn zuerst gedruckt verwendete, ist nicht geklärt. Doc Scotts "Shadow Boxing", 1996 unter seinem Alias Nasty Habits auf seinem eigenen Label 31 Records erschienen, ist die Platte, zu der die meisten greifen, wenn sie zeigen wollen, wie die dunkle Seite klang. 1998 gründeten Ed Rush und Optical Virus Recordings und veröffentlichten das Album Wormhole, das die Vorlage des Techstep funkiger und präziser editiert machte und auf das zeigte, was man Neurofunk nennen sollte.

Die atmosphärische Linie: Speed, Bristol und Good Looking.

Die dunkle Wende war eine Antwort auf 1995. Eine andere lief über eine Clubnacht namens Speed in der Mars Bar im Zentrum Londons, wo Fabio und LTJ Bukem das jazzige, melodische Ende der Musik vor einem Raum spielten, der lieber zuhörte als rannte. Bukems Label Good Looking und seine Compilation-Reihe Logical Progression, deren erste 1996 erschien, gaben diesem Sound einen Katalog. Sein Track "Music" von 1993 ist der übliche Bezugspunkt: Streicher, ein weicher Break, kein Drop im heutigen Sinn. Einige Jahre lang wurde dieser Zweig als "Intelligent Drum and Bass" vermarktet, ein Etikett, das damals einen echten Unterschied markierte und inzwischen peinlich gealtert ist, weil es unterstellte, der Rest des Genres sei es nicht.

Das andere Zentrum der melodischen Version lag gar nicht in London. In Bristol gründeten Roni Size, Krust, Die und Suv das Kollektiv Reprazent, und Bristoler Labels, Full Cycle und die von Bryan Gee und Jumpin Jack Frost geführte Achse um V Recordings, bauten einen rollenden, jazzgefärbten Sound mit dem Gefühl einer Live-Band. 1997 gewann New Forms von Reprazent den Mercury Prize, vor OK Computer, und für einen Moment war der Klang, mit dem die britische Musikpresse über sich selbst schrieb, eine Drum-and-Bass-Platte aus Bristol. "Brown Paper Bag" von diesem Album ist der Track, der Menschen erreichte, die sonst keine einzige Platte des Genres besaßen.

Um 2000 hatte der melodische Zweig einen eigenen Namen, Liquid Drum and Bass, nach einer Mix-CD von Fabio mit dem Titel Liquid Funk, und er wurde zu einer der exportfähigsten Formen des Genres: soulig, mit Gesang, gebaut auf rollendem Two-Step, getragen von Calibre, High Contrast, Marcus Intalex und später den Künstlern von Hospital Records. High Contrast, ein walisischer Produzent bei Hospital, ist die Version von Liquid, die die Soul-Samples und den großen Raum zugleich behielt; "The Basement Track" ist der, der immer noch gespielt wird. Grooverider und Fabio brachten die ganze Bandbreite ins landesweite Radio, mit einer wöchentlichen Drum-and-Bass-Sendung auf Radio 1 von 1998 bis 2012.

Die Subgenres und was sie bedeuten.

Drum and Bass streitet so viel über Begriffe wie Jungle, und die meisten Streits drehen sich darum, wo ein Zweig endet und der nächste beginnt. Die Tabelle stellt die wichtigsten Begriffe zusammen, ungefähr wann jeder aufkam und wie er sich zum Kernsound verhält.

Keiner davon ist eine versiegelte Schublade. Ein Liquid-Produzent macht auch mal eine Jump-Up-Platte; ein Neurofunk-Tüftler schneidet etwas fast Ambientes. Die Etiketten beschreiben eher Neigungen und Szenen als Regeln.

Ab den 2000er-Jahren

Wie Drum and Bass global wurde.

Drum and Bass wurzelte in London und Bristol, doch innerhalb eines Jahrzehnts wurde es weit über beide Städte hinaus gemacht. Brasilien baute eine der ersten großen Szenen außerhalb Großbritanniens auf: DJ Marky, XRS und Patife waren über Bryan Gees V Recordings mit dem Vereinigten Königreich verbunden, und Markys Crossover "LK", 2002 mit XRS und Stamina MC entstanden, wurde zu einem Standard in britischen Clubs. Kontinentaleuropa folgte, und in den 2010er-Jahren gehörten Rampage in Antwerpen und Let It Roll in Tschechien zu den großen Veranstaltungen. Toronto wird oft als wichtiges frühes Zentrum in Nordamerika genannt.

Die Musik pendelte außerdem weiter zwischen der tiefen und der lauten Seite, ohne sich je ganz festzulegen. Die Linien aus Bristol und dem Liquid trugen die melodische Version; Jump-Up hielt die Tanzfläche; Neurofunk ging mit Noisia und Black Sun Empire in die Niederlande und wurde zu einem weltweiten technischen Maßstab.

Nichts davon reiste von allein. Es reiste über Labels und Tournetzwerke, oft geprägt von wenigen Menschen mit einem klaren Geschmack. Andy C gründete 1992 mit Ant Miles RAM Records, und RAM wurde zu einem beständigen Weg von Tanzflächenplatten in internationale Räume. DJ Hypes Playaz leistete Ähnliches für Jump-Up, den lauten, hookgetriebenen Zweig, der Räume füllt und über den am wenigsten geschrieben wird. Hospital Records, 1996 von Tony Colman von London Elektricity und Chris Goss gegründet, machte aus dem Liquid-Ende einen Katalog, ein Festival und eine Tourshow. Zusammen halfen diese Institutionen, einzelne Zweige des Drum and Bass außerhalb ihrer ursprünglichen lokalen Szenen lesbar zu machen.

Das andere, was in diesen Jahren geschah: Die Musik tauchte immer wieder in den Singlecharts auf, und die Szene wusste nie so recht, was sie davon halten sollte. Pendulums Hold Your Colour, in Perth von Rob Swire, Gareth McGrillen und Paul Harding gemacht und 2005 erschienen, wurde zu einem der meistverkauften Alben des Genres. 2012 holte das Genre seine erste britische Nummer eins, DJ Freshs "Hot Right Now" mit Rita Ora, und dabei blieb es nicht: Rudimentals "Feel the Love" im selben Jahr und "Waiting All Night" 2013, Sigmas "Nobody to Love" und "Changing" 2014, Kenya Graces "Strangers" 2023, "BACKBONE" von Chase & Status und Stormzy 2024. Ein Guide darf andere Platten vorziehen und muss diese trotzdem mitzählen. Sie belegen einen anhaltenden Crossover, den eine Darstellung, die von Metalheadz direkt zu Nia Archives springt, übersehen würde.

Seit 2021 gibt es eine Wiederbelebung, und diesmal hängen Zahlen daran: Spotify meldete, dass die Streams von Drum and Bass zwischen 2021 und 2024 um rund 94 Prozent gestiegen sind, die meisten Hörer unter 34, und Pitchfork schrieb 2021 über eine wachsende Vorliebe der Generation Z für das Genre. Nia Archives ist der Name, der am stärksten mit der Wiederbelebung verbunden ist; ihr Album Silence Is Loud von 2024 erreichte Platz 16 der britischen Albumcharts, und es tut das, worauf dieser ganze Guide immer wieder zurückkommt: Es faltet die Breakbeats und das Reggae-Gefühl des Jungle zurück in eine Drum-and-Bass-Platte. Der Guide zu Jungle behandelt diese Wiederbelebung vom anderen Ende, auf Englisch.

Wo Drum and Bass heute steht.

Es gibt keinen einheitlichen zeitgenössischen Drum-and-Bass-Sound. Tanzflächenplatten für Festivals, vom Jungle geprägte Breakwork, Jump-Up und tiefere, vom Label getragene Musik teilen sich denselben internationalen Kreislauf, ohne eine gemeinsame Wiederbelebung zu bilden.

Die Drum-and-Bass-Künstler von heute bilden keine Bewegung. Die Platten für die Charts, die vom Jungle geprägte Arbeit von Nia Archives, internationaler Neurofunk und die langlebigen Szenen von Liquid und Jump-Up, die oben beschrieben sind, bestehen nebeneinander, statt einander abzulösen. Die Überschneidung mit Jungle ist wieder sichtbar, doch die beiden Identitäten sind nicht zu einer verschmolzen. Drum and Bass hat außerdem einen Backkatalog, der tief genug ist, dass jemand Neues ein Jahr allein in 1995 verbringen kann, während heutige Produzenten dasselbe Gerüst aus Break und Bass für andere Räume und ein anderes Publikum nutzen.